В этом видео я рассказываю о том, с чего можно начать свое движение к творчеству, как слушать себя, как найти свой «ключ зажигания», и какие шаги могут быть первыми.
Целью занятий и мастер-классов, которые я вам предлагаю — не является обучение академическому рисунку или живописи.
Это скорее некий творческий «Будильник», задача которого — расшевелить, заинтересовать, проявить, разбудить ту творческую составляющую, которая в каждом человеке есть с детства.
Будем заниматься с вами разными (иногда совсем не серьезными) вещами — проводить линии, красить пятна, рвать и клеить бумагу, что-то соединять и накладывать друг на друга, изучать цвет как материал, искать странные, но интересные предметы, быстро фиксировать свои идеи и то, что нас окружает, учиться у мастеров 20 века.
Безусловно, будут некие азы и техники, которые в дальнейшем можно будет очень свободно и по-разному использовать.
Мне кажется важным вот что — не научить абсолютному мастерству, безукоризненности, умению «правильно» рисовать, — а снять страх перед белым листом, перед собственной неумелостью, ощущением, что ты далек от творчества;
дать чувство свободы в обращении с материалом, раскрепощение в руке, умение входить в свой творческий поток.
Я хочу показать, что искусство — не только в музеях и на выставках, не только в безукоризненных пейзажах и безупречных натюрмортах или классических портретах — оно везде, во всем многообразии проявлений жизни, — под ногами на земле, в нагромождении случайных ненужных фрагментов, в овощах, которые вы принесли из магазина, в небольшом клочке бумаги с зарисовкой и текстом, в сложном контуре тени, которую отбрасывают привычные предметы, в сочетаниях цвета старой облупившейся краски на фасаде дома, в цветных полях, которые мы видим из окна самолета..
Жизнь — бесконечно многообразнее и интереснее, чем мы привыкли ее воспринимать — нужно только настроить на это зрение, пробудить чувственность и начать воспринимать мир не только головой или эмоциями, но еще и глазами, кожей, руками, нутром — видеть его ритмы, цвета, фактуры, формы, свето-тени, тайны..
Очень хочу показать Вам такое «зрячее» искусство, в котором отразилось все вышеперечисленное. Оно — очень разное, открывающее огромное количество разных типов видений, но его объединяет одно — это искусство Радости, чистой визуальной радости от Мира.
В моем блоге Быть Художником мы как раз и займемся настройкой такого зрения.
Буду рада, если поделитесь своими впечатлениями и результатами заданий в комментариях!
Тут сразу надо сказать, что любимое многими оправдание собственного бездействия в виде ожидания так называемого «Вдохновения..» — занятие абсолютно неблагодарное, бессмысленное и в значительной мере инфантильное. Если оное вдруг вас посетило — нужно порадоваться, как внезапному подарку небес, и использовать с умом. Но ждать вдохновения нельзя, его нужно создавать самому. Причем получаться будет не всегда. И тем не менее, это не повод останавливаться.
В творческой профессии, и в просто творчестве для себя (если, конечно, хотеть достичь какого-то результата, а не использовать его для «переключения»), необходимо постоянное, планомерное движение. И часто оно происходит «вопреки», а не «благодаря» своему состоянию. Поэтому одно из первых условий достижения состояния вдохновения — это самодисциплина, планирование работы, регулярность. И, конечно же, не факт, что это всегда будет происходить «в ударе», но регулярность действий постепенно увеличит частоту появления искомого состояния.
Что же можно сделать, чтобы все-таки чаще находится в состоянии потока?
Для начала нужно себя изучать и фиксировать, что именно у тебя вызывает потоковое состояние, когда творить легко, и есть ощущение подключенности ко вселенной, так как универсальных рецептов не может быть. Поделюсь своим опытом, а также опытом других творческих людей и нескольких наблюдаемых поколений студентов-архитекторов.
Время дня
Разное время дня (и события в дне) несут разную энергию — наполнения и отдавания, сфокусированности и распылености, напряжения и расслабления. Их важно чувствовать и организовавать свои действия в соответствии с этим ритмом. У меня искомое состояние чаще бывает рано утром, когда все спят — пространство становится моим, и концентрироваться в нем легко. Это имеет обоснование — энергия раннего утра (до 6 часов) для этого лучше всего подходит. Поэтому можно в это время планировать что-то важное и требующее полной отдачи. У кого-то это происходит глубокой ночью (у меня именно так и было во время учебы) но это чревато постепенной потерей здоровья и жизненной силы.
Среда вокруг
Важно пространство, в котором происходит работа — нужно «настроить» его под себя, как один из главных инструментов. «Идеального» порядка у творческого человека быть не может по определению, но и захламленная неструктурированная среда не добавит желания двигаться вперед, — обычно она давит своей невнятностью, непониманием, где что лежит и неудобством нахождения в ней. Приятно точно знать места всего, что может понадобиться, всех архивов работ и хранения. Должна быть легкость в ориентации и пространство для маневра и эксперимента. Мне удобно, когда есть возможность организовать два рабочих места — для работы за ноутбуком, включая планирование, чтение и записи, и место для взаимодействия с красками, большими форматами, возможно, макетами или другими материалами.
Структурирование пространства с помощью простых стеллажей и контейнеров Икеа обычно помогает быстро и дешево это организовать.
Но кроме структуры и организации, необходимо еще и вдохновляющее наполнение — в виде тех вещей, которые будят сознание, глаз, руку, настраивают на иное восприятие реальности. Архитектор Ле Корбюзье называл такие предметы «объектами поэтического отклика» — его мастерскую наполняли раковины, камни, коряги и прочие найденные объекты.
Навык графической фиксации
Нужно, чтобы руки дружили с разными материалами (карандаши, фломастеры, ручки, пастель, акварель, уголь..) и можно было уметь легко зарисовывать все, что хочешь — интересный фрагмент реальности, идею, образ, картинку из книги, предмет.. Это, с одной стороны, дает свободу и уверенность, а с другой — такое телесное взаимодействие, когда у тебя нет страха, и ты не боишься, что что-то не получится, а просто берешь и проводишь линии, красишь, соединяешь — включает особую энергию потока, в котором все начинает происходить по своим законам, как бы «само собой».
Питательный раствор
Одно из самых результативных средств — это погружение в питательный «бульон» для раскачивания, проявления, создания и доваривания собственного художественного ощущения. Такой бульон можно создавать из книг, фильмов, впечатлений и наблюдений за реальностью, но в большей степени это, конечно, мастера, художники, другие интересные люди, которые дают вдохновляющий импульс и заряд на собственные действия.
Если их не только смотреть, но и пытаться пропускать через себя непосредственно — зарисовывать и записывать важное, то, что зацепило — это будет откладываться внутри и становиться частью тебя. Можно создавать целые альбомы и папки из такого самообучения, и в процессе фиксировать выводы, мысли и идеи.
Картина жизни или концентрат своих смыслов
Мне часто хочется видеть перед глазами своеобразную «точку творческой сборки», в которой, помимо рациональной информации типа календарей, списков, планов — есть то, что пробуждает глубинные смыслы, воздействует непосредственно на органы восприятия и возбуждает детский азарт двигаться дальше. Такой коллаж-композиция из образов, записей, фото, интересных графических листовок, своих эскизов, надписей-целей и многого другого.
Фрирайтинг или потоковое письмо
Одно из моих последних открытий. Сама техника много где описана, в том числе в книге Джулии Кемерон «Быть художником» под названием «утренние страницы». Метод непринужденного диалога с собственным бессознательным, почти медитация на бумаге. Смысл в том, что каждый день (лучше утро) нужно записывать поток мыслей в течении примерно 20 минут (или 3 страницы). Это может быть просто отображение мыслительного процесса или чуть более направленное нужным вопросом размышление. Результат — от психотерапии до инсайта. Но тут вся суть в регулярности. У меня самое интересное стало происходить через 2 недели ежедневного письма, и я теперь использую этот инструмент и для изменения состояния, и как коучинг для самой себя и как возможность расширения видения и более глубокого осмысления.
Московский художник Сергей Жаворонков — это мое открытие 2015 года. Случайно увидела в апреле анонс выставки в fb, чудом доехала на нее за день до закрытия. Приехав, увидела издалека на стенах маленькие, не больше формата А3, пастели.. в голове промелькнул вопрос «и это все?» А потом вошла внутрь, и не смогла уйти вплоть до закрытия. Стояла около каждой работы по полчаса, вызывая неподдельное изумление музейных работниц. Как потом говорил Сергей Гаврилович, придя по нашей просьбе в архитектурный институт, к нашим студентам, «Картина не должна смотреться быстро», — то есть не должно быть достаточно 5 секунд, чтобы все про нее понять, наоборот, на нее должно хотеться смотреть долго, напитываясь и вбирая в себя что-то неведомое ранее. Картины Жаворонкова как раз такие. Они захватывают тебя с первой секунды и не отпускают, они очень глубокие, тонкие, одновременно и «сделанные» и эскизные. В них, несмотря на их небольшой, иногда даже открыточный, формат, невероятное качество станкового искусства. Ощущение, что они легко потянут размер 2х2м..
Это очень простые картинки — постановки, незамысловатые предметы, пейзажи, интерьер, — все хорошо узнается, но при этом изображение почти плоское, нет никакой погони за реализмом, активной светотени и прочего, — только точность цвета, ритм, внимание к предмету, тонкости отношений, — и невероятная, космическая глубина, в которую проваливаешься с головой.
Его называют «русским Моранди», и это имеет смысл, но для меня он его превзошел. Я увидела в нем многих своих любимых мастеров, кроме Моранди — Матисса и Сезана, Де Сталя и Никольсона, Боннара и Машкова и многих многих других. И все же он не они, и не просто их синтез. Он — нечто другое, свое, особенное. В работах Сергея Гавриловича очень много света, они лучатся изнутри. Они — связные, цельные, сотканные, и одновременно — прозрачные, тонко-живописные, мощные, многослойные. Все узнаваемо, нет никакого намека на абстракцию, но границы предметов рушатся, сплавляются в единую живописную ткань, подчиняясь идеи цвета, поверхности, темы. Сам Сергей Гаврилович объяснял живопись простым примером: «Если у Шишкина отломить с картины ветку сосны, то что будет? Она аккуратно отломится. А если отломить у Сезана, она отломится с кусочком неба..» Для меня в этих словах весь смысл живописи.
А еще у Жаворонкова нет ничего «специального», надуманного, заявляющего о себе, — работы тихие и почти «ни про что», и этой своей тишиной пронзающие до самой глубины. Ну меня-то точно. До бабочек, летающих в животе. Это вот что — когда ты стоишь в каком-то замшелом маленьком выставочном зале, и понимаешь, ощущаешь, что на тебя вот это искусство действует натурально, просто даже чисто физически, — ты его животом ощущаешь.? Это — магия, как мне кажется.. Или — очень сильный резонанс с тем, что я сама хочу в творчестве, ценю и на что реагирую.
Жаворонков теперь — один из моих учителей. Мне даже удалось с ним немножко познакомиться и получить очень развернутые реакции на свои работы)))
За что ему огромное спасибо!